Eric Yick Keung San, conocido artísticamente como Kid Koala, es uno de los artistas más singulares surgidos de la escena musical electrónica y alternativa de las últimas décadas. Nacido en Vancouver en 1974, de padres originarios de Hong Kong, creció escuchando jazz y estudiando piano clásico antes de descubrir el rock y el hip hop durante su adolescencia. Desde mediados de los años noventa comenzó a destacar como DJ de scratch, desarrollando un estilo experimental que transformó la tornamesa en un instrumento narrativo capaz de producir melodías, ambientes y personajes.
A lo largo de su carrera ha explorado géneros tan diversos como el hip hop, el jazz tradicional, el blues, la música clásica contemporánea o el ambient. Ha publicado varios álbumes en el influyente sello Ninja Tune y colaborado con artistas como Gorillaz, además de formar parte de proyectos colectivos como Deltron 3030 y Lovage. Su trabajo también ha llegado al cine y la televisión, contribuyendo a las bandas sonoras de películas como Scott Pilgrim vs. the World, The Great Gatsby y Baby Driver.
Pero Kid Koala no se limita a la música. También es ilustrador, autor de novelas gráficas y creador de espectáculos multimedia que combinan animación, títeres, cine en vivo y música. Sus libros Nufonia Must Fall y Space Cadet, mezclan narrativa gráfica con banda sonora original.
En 2025 da un paso más en su trayectoria artística con Space Cadet, su debut como director de cine animado, basado en su propia novela gráfica. La película continúa con su exploración de la narración emocional a través del sonido, el silencio y la imagen.En esta entrevista, el artista habla sobre su proceso creativo, el papel del sonido como lenguaje y el origen personal de Space Cadet.
¿Cómo estás?
Muy bien, ¿y tú? ¡Wow! ¡Mira este cuarto que tienes! ¡Gracias por mostrármelo! Me encantan todos los estantes con CDs, las figuras de acción y los DVDs.
Déjame decirte que tu videoclip de Fender Bender me parece increíble. Me encanta que el diálogo entre los personajes está creado completamente con scratching. ¿Cómo surgió la idea de usar el sonido no solo como música, sino como la voz de los personajes?
Creo que viene de mi infancia. Crecí escuchando discos de cuentos ilustrados. Mi mamá me compraba esos pequeños discos de siete pulgadas que venían con un libro para seguir la historia. Tenías el texto, las imágenes, la música, el narrador… y también los efectos de sonido.
Era una experiencia totalmente inmersiva. Podía pasar horas leyendo y escuchando esos discos. Así que cuando empecé a hacer música, esa forma de narrar ya estaba en mi cabeza: historias, imágenes, efectos, narración… todo mezclado para crear algo más dimensional.
Incluso en mis primeros discos con Ninja Tune, cuando estaba trabajando en Fender Bender, pensé: “Esta base suena como una canción de carretera”. Y a partir de ahí imaginé una pequeña historia. ¿Qué pasaría en ese viaje? Tal vez un pequeño choque de autos, la gente bajándose a discutir… Entonces empecé a buscar efectos de sonido para rasparlos en la tornamesa y construir ese pequeño universo dentro de la canción.
El video también recuerda al espíritu de personajes como Gerald McBoing-Boing que se comunicaba con ruidos ¿Fue una referencia consciente?
No fue una referencia directa, pero definitivamente forma parte de mi universo. Crecí viendo ese tipo de animación. También recuerdo mucho el trabajo de Jim Henson, especialmente esos pequeños sketches con los dos extraterrestres que intentaban entender cómo funcionaba un teléfono. No decían ni una palabra, pero siempre sabías exactamente lo que estaban pensando.
Creo que esa idea de contar historias sin palabras viene también de ahí. Y de ver muchas películas de Charlie Chaplin con mi abuela cuando era niño.
Tú y Mr. Oizo (Quentin Dupieux) vienen del mundo de la música electrónica, pero crean películas muy humanas y absurdas. ¿Crees que ese origen musical les permite romper las reglas del cine?
No sé si realmente estoy rompiendo reglas del cine (ríe). Pero recuerdo que cuando hablaban de Space Cadet algunos decían: “Es una película animada, necesita muchos chistes rápidos y bromas escatológicas”. Y yo pensaba: ¿realmente necesitamos eso?
Antes de dedicarme a la música estudié para ser maestro de primaria. Un día, justo después de Halloween, los niños llegaron a clase completamente hiperactivos por todos los dulces. Yo intentaba calmarlos para empezar la clase de matemáticas y nada funcionaba.
Entonces mi maestra mentora me dijo: “Déjame mostrarte algo”. Se sentó en la alfombra donde se cuentan historias y empezó a hablar muy suavemente. De repente todos los niños se callaron. Incluso se decían entre ellos: “¡Silencio, quiero escuchar!”. En segundos pasaron del caos a estar completamente concentrados.
Ese día entendí algo: no necesitas bombardear al público con ruido y velocidad. A veces puedes hacer algo que sea casi un susurro, que invite al espectador a acercarse y prestar atención. Eso genera una relación distinta con la obra.
También te puede interesar:
Como músico y como cineasta, ¿qué significa el silencio para ti?
Es una herramienta muy poderosa. Como músico puede dar miedo, porque genera tensión. Pero también puede ser muy hermoso. En la película casi siempre hay música o sonido, pero como director aprendí que el silencio puede hacer que algo sea muy gracioso. A veces cortábamos toda la reverberación y dejábamos un silencio total, y de pronto la escena se volvía mucho más cómica.
Muchos dicen que la música es el silencio entre las notas. Es ese momento de pausa donde el público anticipa lo que viene. Lo mismo pasa en un club cuando un DJ hace el “drop”. Ese instante previo hace que el momento siguiente sea mucho más emocionante.
¿Tu formación musical te enseñó a confiar en el público y en su capacidad de escuchar con atención?
En parte, sí. Pero realmente lo aprendí haciendo teatro. Desde 2015 hemos girado con espectáculos como The Storyville Mosquito o Nufonia Must Fall, que son obras hechas en vivo con sets en miniatura, títeres y cámaras. Durante esas giras entendí mejor el ritmo de una historia: cuándo dejar espacio para la risa, cuándo permitir que un momento emotivo respire.
De la música aprendí otras cosas, como cómo mantener la energía de una fiesta o un concierto. Pero el teatro me enseñó que el público a veces quiere quedarse un poco más en un momento, sentirlo con calma.
¿Qué significa Space Cadet para ti?
El libro nació en un momento muy personal. Mi abuela, con quien veía las películas de Chaplin, acababa de fallecer. Yo estaba procesando esa pérdida. Al mismo tiempo, estaba a punto de nacer mi primera hija. Así que mi mente estaba viajando constantemente entre el pasado y el futuro. Trataba de entender mi lugar dentro de la historia de mi familia. Ese proyecto fue como una brújula para orientarme en ese momento de mi vida.
La película, en cambio, es algo distinto. Cuando la veo siento que ya no me pertenece solo a mí. Es la obra de más de cien personas trabajando juntas: animadores, diseñadores de sonido, iluminadores, montajistas… Cada uno aportó algo. Por eso la siento como una gran pieza audiovisual orquestal. Es una celebración de toda esa gente que se unió para hacer la película.
¿En qué estás trabajando ahora?
Estamos preparando una nueva obra de teatro similar a Storyville Mosquito y Nufonia Must Fall. Se llamará Creatures of the Late Afternoon y estará basada en mi último álbum. Será otra película en vivo con títeres, cámaras y música. También estoy trabajando en cómo lanzar la banda sonora de Space Cadet. Estamos viendo temas de mezcla, masterización y diseño del empaque. Y últimamente también he estado pintando. Básicamente trato de mantenerme ocupado, experimentar y divertirme.
Ha sido un honor. Tu música y Space Cadet le han dado momentos de felicidad a mi vida.
Muchas gracias por decirlo. Lo aprecio mucho.
