La música de Magdalena Bay se insertará en tu mente

Desde sus inicios en el rock progresivo con otros proyectos, hasta convertirse en uno de los proyectos más interesantes del pop experimental actual, Magdalena Bay ha recorrido un camino tan ecléctico como sorprendente. Hablamos con Mica Tenenbaum, mitad del dúo junto a Matthew Lewin, sobre su segundo y aclamado álbum Imaginal Disk, su evolución musical y el concepto que lo rodea.

“Empezamos a tocar música cuando teníamos 15 y 16 años, en una banda de rock progresivo inspirada por artistas de los 70s”, recuerda Mica. “Tocábamos en vivo, grabábamos álbumes y lo tomábamos muy en serio”. Sin embargo, la distancia marcó el fin de ese proyecto, lo que los llevó a explorar una nueva dirección. “Nos pareció interesante probar con la música pop, quizás más fácil de trabajar a distancia”, confiesa. Así nació Magdalena Bay, un proyecto donde fusionaron sus diversas influencias musicales para dar con su sonido particular.

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El título de su nuevo álbum proviene de un concepto biológico: los “discos imaginales”, células que existen en las orugas y que, al convertirse en mariposas, definen su nueva forma. “Nos encantó la posibilidad de un doble significado, porque disk también puede ser un CD”, explica Mica. “Una vez que teníamos el título, nos vino muy fácil la imagen del disco entrando al cerebro, como una expresión perfecta de conciencia y humanidad”.

La portada del álbum y los visuales refuerzan esta narrativa, mostrando una “lobotomía del CD” como una metáfora de la transformación personal. “Nos interesa mucho el concepto del ‘nuevo yo’ y la idea de cambiar ciertos aspectos de uno mismo, pero preguntándonos: si cambias todo lo que no te gusta, ¿sigues siendo tú?”.

El universo visual de Magdalena Bay es un aspecto clave del proyecto, y sus referencias incluyen cine, libros y pinturas. La plática coincide con la reciente muerte de David Lynch, quien falleció un día previo a la entrevista. El dúo subió a su historia de INstagram una foto en el icónico diner de Twin Peaks. “Hicimos un tour en 2022 y pasamos por el diner de Twin Peaks, teníamos que ir a comer y sacarnos unas fotos”, cuenta Mica. “David Lynch es una gran inspiración para nosotros y muchos de nuestros amigos artistas”.

Sin formación académica en artes visuales, aprendieron a hacer sus propios videoclips por necesidad. “Tener que filmarnos con una cámara pequeña y ver cómo hacerlo interesante con edición y green screen nos ayudó a crecer como artistas visuales”, dice. “Las referencias pueden venir de cualquier lado: otros videos musicales, películas, libros… Descripciones en los libros me inspiran mucho”.

El proceso del “segundo disco” puede ser complicado tras un debut exitoso, pero el dúo no sintió presión. “Fue importante no tener una meta o una visión cerrada. Solo escribimos y dejamos que la música nos guiara”, cuenta Mica.

A diferencia de Mercurial World, en Imaginal Disk incorporaron más instrumentos en vivo. “Queríamos usar drums, strings, horns. Fue una evolución natural, también porque escuchábamos más música con esa instrumentación, como el rock de los 70s que amábamos en secundaria”.

Un ejemplo de la grandeza de su disco ‘Cry for Me’, inspirada por ‘Dancing Queen’ de ABBA. “Es una canción perfecta”, dice Mica. “Experimentamos con acordes hasta que decidimos mantener los mismos, pero con un cambio de feel al estilo Dancing Queen”.

Para Mica, tocar en vivo transforma las canciones. “A veces es difícil imaginar cómo la gente responderá, pero una vez en el show, ver qué parte cantan contigo es hermoso”. Entre sus favoritas en vivo están Death & Romance, Vampire in the Corner y Tunnel Vision.

Otro momento inesperado fue cuando Rosalía se disfrazó de la portada de Imaginal Disk en Halloween. “No lo podía creer”, dice. “Luego compartió el álbum en Instagram y probablemente fue la introducción de nuestra música para mucha gente”.

Mica nació en Argentina y siente el apoyo de los fans, que se caracterizan por ser pasionales. “No sé cuántos fans tenemos allá, pero son muy vocales”, dice. “Me encantaría tocar un show en Argentina”.

Mica tampoco deja de lado la posibilidad de crear más música en español, como lo han hecho en algunas ocasiones. “Hemos tenido algunas canciones con partes en español, pero en Imaginal Disk no se dio. Quizás en el próximo. Depende de cómo fluyan las palabras”.

Magdalena Bay ha logrado consolidarse como un proyecto innovador, donde la música, lo visual y la filosofía convergen. Con Imaginal Disk, han llevado su sonido a nuevas dimensiones sin perder su esencia. “Siempre empieza con la música”, concluye Mica. “Si alguien quiere solo escuchar, genial. Pero si quieren sumergirse en nuestro mundo, también tenemos los videos, las páginas web, todo lo demás”.

Lee la plática a continuación: 

Acabo de ver su historia de Instagram, es el diner de Twin Peaks, ¿no?

Sí, exactamente. Hicimos un tour en el 2022, ahí pasamos por Seattle y nos dimos cuenta que estaba muy cerca el filming location, el diner y también las cataratas que figuran en el show, así que tuvimos que ir a comer y sacarnos unas fotos.

¿Fue David Lynch una gran inspiración para ustedes?

Totalmente y es muy loco ver que para tantos amigos y artistas sigue siendo y es una gran inspiración.

Cuéntame de este camino que recorrieron hasta llegar a este sonido particular de Magdalena Bay.

Empezamos a tocar música cuando teníamos 15 y 16 años, así que es un camino medio largo. Empezamos en una banda de rock progresivo, inspirada por artistas de los 70s. Estábamos tocando música con nuestra banda de rock, teníamos cuatro miembros, después cinco y lo tomábamos bastante en serio.

Aunque estábamos en la secundaria y no nos iba muy bien, pero si lo tomábamos en serio y ahí aprendimos a tocar música en vivo y a producir y grabar nuestros álbumes. 

Trabajamos en esa banda hasta que empezamos la universidad. Fuimos a dos escuelas distintas en ciudades distintas, así que ahí medio se cortó la banda de rock por problemas de distancia.

Después de un año de no hacer música, se nos ocurrió empezar a escribir música pop por distintas razones. A nosotros no nos encantaba ese tipo de música, pero nos pareció interesante, quizás más fácil trabajarla a larga distancia.

Fue un reto aprender a escribir y producir esa música, así que, así empezó Magdalena Bay.

A lo largo de los años creo que hemos entendido cómo combinar todas las influencias que tenemos de las distintas épocas de música que hemos creado.

Ahora con el éxito que tiene este proyecto, ¿cómo es su relación, por ejemplo, con el material de Tabula Rasa?

No sé, hace tiempo que no escucho esa música. Creo que el año pasado estábamos manejando, probablemente en tour y estábamos aburridos y pusimos los álbumes. Es interesante, mi voz ha cambiado mucho. 

Creo que canto mejor ahora, hay muchas cosas que mejoraron, pero es interesante, especialmente del lado de songwriting, el ver cómo escribíamos, cómo pensábamos, el saber cuál era el approach que le dábamos a la música.

Ese carácter sigue todavía en nuestra música, somos las mismas personas, aunque tenemos más experiencia y experiencias nuevas, pero es interesante ver las diferencias y similaridades entre esa música y nuestra música ahora.

Sé que a veces el proceso del segundo álbum después de uno exitoso es difícil, pero han mencionado que no sintieron esa presión ¿Cuál fue su mindset llegando a este segundo disco después de uno primero que fue tan bien recibido?

Creo que para nosotros fue importante no tener un mindset, una meta específica, ni ninguna visión específica relacionada a la música.

Empezamos a escribir música y salió acorde, no sé que estábamos pensando nosotros como artistas, en qué fase estábamos, que estábamos escuchando, naturalmente tomó un tipo de progresión post Mercurial World y llegó a ser Imaginal Disk.

Me encanta esta narrativa que crearon con los visuales y la portada, de esa “lobotomía del CD”, ¿Cómo nació esa idea?

Nos interesaban mucho las ideas del ser, desde un punto de vista filosófico, de psicología y también personal. Encontramos el título del álbum bastante temprano en el proceso creativo.

Aprendimos sobre una idea científica, es decir,  Imaginal Disk tiene que ver con las células de las orugas, cuando se convierten en mariposas.

Nos encantó la posibilidad del significado doble de “disk” de ser célula y ser disco. Una vez que teníamos el título, nos vino muy fácil la imagen del disco entrando al cerebro. Se sentía como la expresión perfecta de conciencia, de humanidad. Todo el mundo visual es muy importante para nosotros y todo empieza con la música.

La música en sí dice algo y nosotros tratamos de interpretarla y después tratamos de hacer una traducción de eso al mundo visual con imágenes.

¿Cómo abordan la parte visual que es tan importante en el proyecto? ¿Tienen referencias o experiencias en Artes Visuales?

Empezamos a hacer nuestros music videos nosotros mismos, por tema de necesidad cuando empezamos con Magdalena Bay, pero estamos agradecidos porque nos ayudó a crecer mucho como artistas visuales.

Tener que filmarnos a nosotros mismos con una camarita y después ver cómo hacer eso interesante, con editing o green screen. Tenemos muchas influencias e inspiraciones de otros music videos, otras películas, David Lynch, obviamente.

Todo el tiempo estamos buscando inspiraciones, también pueden ser cuadros, a veces libros. Las descripciones en los libros me inspiran mucho, es una parte muy linda de nuestro proyecto.

Siempre empieza con la música y si alguien quiere solamente escuchar la música y perderse en eso es buenísimo, pero el que quiere entrar más al mundo, tenemos los videos, las páginas web, todo lo demás.

Regresando al concepto de esta narrativa, también tiene que ver un poco con imaginar un nuevo tú, ¿hicieron ese ejercicio de imaginarse un “nuevo yo” como personas o como proyecto?

Supongo que sí, no de manera súper consciente, pero creo que gran parte de las ideas temáticas del álbum tienen que ver con los flaws que tenemos cada persona dentro. Esas cosas que quizás quisieras cambiar, pero con la idea de que, si cambiaras todo lo que no te gusta sobre vos mismo, ya no serías vos.

Creo que la idea de un “nuevo yo”, tiene que ver con eso, ¿sigues siendo vos o no?

Y siguiendo en esa misma idea de cambio, de evolución ¿cómo ven la evolución en su sonido de Mercurial World a Imaginal Disk?

Para nosotros es difícil ponerlo en palabras y explicarlo porque estamos muy cerca, pero creo, que una de las diferencias o evoluciones más obvias es que nos interesó más usar instrumentos acústicos o en vivo como los drums, strings, horns.

Creo que para nosotros eso se sentía como una evolución natural y también estábamos escuchando más música con ese tipo de instrumentación, como la que nos gustaba en high school, ese tipo de rock de los 70s.

En una entrevista mencionaron a ‘Dancing Queen’ de ABBA como la canción que inspiró el sentimiento general de  ‘Cry for me’, ¿cómo fue ese proceso?

‘Dancing Queen’ es una canción perfecta, es espectacular. Empezamos con la primera parte, después, la segunda parte crece y se siente que va a llegar a algo y no sabíamos bien qué.

Tratamos con distintos acordes, cualquier idea la probamos y nada estaba funcionando, hasta que se nos ocurrió que iba a seguir con los mismos acordes, pero un cambio de feel. Ese feel vendría a ser algo inspirado por el sonido de disco de ‘Dancing Queen’.

Sé que grabar un disco puede convertirse en algo tedioso, especialmente si es tan complejo. ¿En algún momento se sintieron desencantados con el proceso o con las canciones? En ese caso, ¿en qué momento volvieron a tomarle cariño?

Cuando estás escribiendo y no es que terminaste la canción, pero casi, esa es la mejor parte, porque te encanta, pero todavía hay posibilidades y no es que ya tomaste todas las decisiones. Ahora estás en la mejor parte, estás en el precipicio de llegar a terminarlo.

Después de eso ya entras en los detalles de mixing y mastering, también tomando esas decisiones de producción, como que tiene un final que no es muy encantador porque después tenés que vivir con esas decisiones y compartir la canción con el mundo.

Obviamente, vamos a hacer eso, es lo que hacemos, pero veo que pierde un poco de la magia, porque ya no es tuyo, es un proceso muy extraño, no es que pierde la magia, pero más o menos.

Por ejemplo, tocar las canciones en vivo es muy especial, es casi como tocar otras canciones, se siente muy diferente porque estás compartiéndolo con gente de manera muy íntima y personal y ellos también están cantando, cambia mucho el DNA que tiene la música una vez que la tocas en vivo.

Hablando de la producción, hay muchas cosas ocurriendo en un mismo momento y aún así no se siente como ruido excesivo, ¿cómo logran ese equilibrio?

Es un equilibrio total, somos maximalistas. Es encontrar el equilibrio de manera técnica, con IQ, con proceso de mixing, pero también de manera menos técnica, o sea, dónde tiene que estar tu atención, ahora, suma o resta tener estos otros elementos ¿cómo funcionan juntos? ¿Cuál es el foco? ¿Hay más de un foco? Es toda una cuestión artística y también técnica que está entrelazada.

¿Cómo ha sido llevar estas canciones al escenario? ¿Hubo algo que les haya sorprendido de tocarlas en vivo o alguna que disfruten en particular?

‘Death & Romance’ nos encanta tocarla en vivo, ‘Vampire in the Corner’ y ‘Tunnel Vision’ también. Me encanta ver cuál es la parte donde la gente canta. Siempre cantan, pero a veces “cantan” una sección de una canción, como que se mueven a compartir esa parte con nosotros y es muy lindo. A veces cuando terminas las canciones y todavía no salieron y las escuchás en el estudio o en el teléfono, es difícil imaginar cómo la gente va a responder, pero tratás de imaginarte en el show. Una vez que tocás el show es interesante ver lo que te imaginaste o no.

¿Qué artistas han jugado un papel significativo en su crecimiento? No sólo como inspiraciones, también acompañándolos o dándoles consejos en el camino. 

Hay muchos, Radiohead, Fiona Apple, Electric Light Orchestra, Paul McCartney, Caroline Polachek, son muchos, es muy lindo. Siempre tratamos de encontrar música nueva, pero quizás porque ya somos de cierta edad y es difícil encontrar música con la que podemos conectar de la misma manera que con la música que escuchábamos cuando éramos adolescentes o cuando empezábamos a escribir. Me resulta más fácil ahora, cuando busco música nueva, tiendo a escuchar música más vieja, recientemente estoy escuchando mucho a Minnie Riperton. 

Mica, naciste en Argentina, un país muy orgulloso y famoso por apoyar con pasión a los exponentes que destacan de ese país, ¿has sentido ese apoyo, ese orgullo argentino?

Sí, no sé cuántos fans tenemos, pero son muy vocales y se hacen escuchar. Me encanta y de verdad quiero tocar un show ahí. No es que sea complicado, pero bueno, estamos esperando a que se dé la oportunidad de la oferta.

Y crear más música en español, ¿lo han pensado?

Sí, tenemos algunas canciones que están en español o que tienen líneas en español, partecitas. En Imaginal Disk no se dio, no sé por qué, quizás en el próximo. Es como salen las palabras, esta vez salieron en inglés, pero quizás la próxima no.

Cuéntame de la experiencia de ver el disfraz de Halloween de Rosalía con la inspiración del disco, ¿cómo fue vivir eso?

No lo podía creer, pero nada, muy copado.