La historia del consumo de música es una de oscilaciones entre el caos y el control. A lo largo de dos décadas, la industria pasó de la certeza física de los CD al “salvaje oeste” de la piratería digital, para finalmente aterrizar en las elegantes y convenientes interfaces de las plataformas de streaming. Si bien el streaming ha estabilizado los resultados de la industria, sin darse cuenta ha creado un ecosistema en el que el ganador se lo lleva todo. Al cambiar la métrica del valor del álbum o canción al tiempo dedicado a escucharlo, la industria ha tocado un techo estructural que amenaza la diversidad que dice albergar.
De Napster al buffet “todo lo que puedas comer”
A principios de la década de 2000, la industria musical estaba en picada. Los sitios para compartir entre pares desvincularon la música de su valor monetario. La solución llegó en dos etapas:
- La era digital transaccional: iTunes Store de Apple introdujo el sencillo de 0,99 dólares, lo que demuestra que la gente pagaría por comodidad y legalidad.
- La era del acceso: Liderada por el lanzamiento de Spotify en 2008, el modelo pasó de la propiedad al acceso. Por una tarifa mensual fija, los fanáticos de la música obtuvieron acceso “ilimitado” a la biblioteca del mundo. Esta transición acabó con la piratería al hacer que la transmisión legal sea más conveniente que la descarga ilegal. Proporcionó un flujo de ingresos consistente y predecible para sellos discográficos y superestrellas globales. También alteró fundamentalmente la relación económica entre artista y fan.
La era del acceso y el techo del “tiempo finito”
Cuando el modelo pasó de la propiedad al acceso, la transición introdujo una forma restrictiva de valorar la música en función de cuántas horas pasa un fan escuchando. Esto crea dos obstáculos económicos importantes:
- El límite del tiempo: dado que el tiempo de un fan es finito, existe un límite en cuánto pueden apoyar a un artista. Independientemente de cuánto valore un fan a ese artista, no puede “votar” con más de 24 horas al día.
- Dilución de contenido: a medida que se cargan cientos de miles de canciones nuevas diariamente, el valor de la música nueva tiene un límite. No tienes más tiempo para escuchar música sólo porque se produce más, por lo que cada nuevo artista y nueva canción luchan por una porción cada vez menor de un reloj fijo.
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La fricción de la consolidación
El mercado se ha consolidado en cuatro grandes guardianes: Spotify, Apple, YouTube y Amazon. Este oligopolio ha obligado a los fans a elegir un único “silo” para toda su biblioteca musical. Para el artista, esto crea una inmensa fricción. Si un artista quiere ofrecer una experiencia única o contenido exclusivo en otro lugar, se enfrenta a un muro de resistencia. Los fanáticos dudan en abandonar su biblioteca principal; ¿Comprarías un CD que sólo funcionara en un reproductor de CD? Esto encierra al artista en un sistema en el que rara vez puede monetizar a sus fans más allá de la parte prorrateada de una tarifa de suscripción mensual estándar.
La trampa prorrateada: por qué la lógica le falla al artista especializado
Otra cuestión central reside en el modelo de distribución prorrateada, en el que todas las tarifas de suscripción se agrupan. Si una estrella global representa el 10% de las transmisiones, recibe el 10% del total de regalías, incluso si la suscripción de un usuario específico estaba destinada a un artista punk de nicho que escuchaba exclusivamente. En este modelo, 40.000 fans dedicados “valen” lo mismo que 40.000 oyentes pasivos. Al eliminar la posibilidad de cobrar más por música de mayor valor, el streaming ha eliminado la oferta y la demanda de la ecuación.
El costo cultural de la homogeneización global
Debido a que el modelo actual premia el volumen por encima de todo, favorece desproporcionadamente la música diseñada para escuchar relajadamente y atraer a las masas. Esto penaliza a los artistas especializados que crean música específica para ciertas geografías, subgéneros o comunidades de estilos de vida por no tener un atractivo masivo, incluso si el impacto en su cultura específica es profundo. Los efectos a largo plazo son que los nuevos artistas y la nueva música se ven presionados a “seguir el algoritmo” en lugar de innovar. Si un artista –y la inversión en artistas– no puede sobrevivir con la escasa proporción prorrateada, puede dejar de crear por completo, lo que conducirá a un futuro en el que la música será más segura, más insulsa y menos representativa de la diversidad humana.
Ahora, para la propuesta: dirígete a Página Substack de ORCA aquí para obtener un desglose en varias partes de cómo una capa de transmisión directa a los fanáticos podría desbloquear esta fricción para los artistas.
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La Organización para la Cultura y las Artes Grabadas (ORCA) es un grupo de expertos y un grupo de defensa global formado por importantes sellos discográficos independientes, dedicados a promover el valor económico, social y cultural de la música. ORCA equipa a los formuladores de políticas, asociaciones comerciales y comunidades con investigaciones primarias y conocimientos prácticos para fortalecer los ecosistemas impulsados por la música y promover el crecimiento inclusivo de la industria.
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Louis Posen es el fundador y presidente de Registros sin esperanzaun sello discográfico independiente lanzado en 1993, que ahora promociona más de 30 lanzamientos de oro y platino de artistas como Avenged Sevenfold, All Time Low, Sum 41 y más. Posen se enorgullece de formar parte de varios foros musicales, incluidos MERLIN, ORCA y A2IM, y recibió el premio Lifetime Achievement Award en los Premios Libera 2024. También ha sido elegido como uno de los Indie Power Players de Billboard en numerosas ocasiones. Más allá de la música, Posen ha defendido el impacto comunitario a través de La Fundación Sin Esperanzala rama sin fines de lucro de la marca que ha recaudado más de $3,5 millones en beneficio de más de 150 iniciativas benéficas.
